Gleam of a Silent Ecstasy : Alessandro Sicioldr | solo exhibition at HOBAN ARTRIUM

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"L'estasi qui non è un lampo accecante, ma un bagliore silenzioso,
un sottile cambiamento tettonico percepibile solo attraverso un silenzio disciplinato."

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Questa mostra prosegue la ricerca costante dell'artista: una ricerca tenace e ossessiva di un oltre invisibile. Si sviluppa lentamente, attraverso un processo pittorico meticoloso e deliberato, uno scavo in una frattura, una soglia dove questo mondo sfiora l'invisibile.

L'estasi qui non è un lampo accecante, ma un bagliore silenzioso, un sottile spostamento tettonico percepibile solo attraverso un silenzio disciplinato. Non c'è traccia di automatismo surrealista, né dell'intento allegorico del simbolismo. Ogni immagine emerge invece come una cristallizzazione visionaria delle strutture interiori della coscienza dell'artista, riflettendo un viaggio profondamente personale. È una ricerca senza una destinazione chiara, orientata non verso la rivelazione, ma verso l'assenza, verso il vuoto.

La pittura diventa paradossale: attraverso materiali densi - lino pesante, pigmenti stratificati - cerca di incarnare l'effimero, quelle immagini liminali che affiorano ai margini della consapevolezza. Non sono opere destinate a comunicare un messaggio, ma silenziosi e disperati tentativi di reincantare il mondo.

La Cittadella ci trasporta in un sogno. Una figura addormentata contempla una città fortificata sorvegliata da esseri angelici, forse i geni alati della tradizione greca.
Essi evocano Il castello interiore di Teresa d'Ávila, dove le stanze più recondite non si raggiungono attraverso la conquista, ma attraverso la resa. Per Teresa, il castello simboleggia l'anima immaginata come un cristallo luminoso con molte stanze che rappresentano le fasi della crescita spirituale.
Il viaggio verso l'interno conduce all'unione con la presenza divina al suo centro.

Il Nuovo Re è emerso in modo diverso dagli altri. Sicioldr ha lasciato che l'immagine si formasse sulla tela senza un controllo cosciente.
Per la prima volta è apparso un mondo crollato. Eppure dalle rovine nasce una nuova vita, segnalata dall'immagine di buon auspicio di un frutto dorato, l'unica speranza nata da un
albero lontano. La scena si svolge sotto un cielo estivo serale.

In un'epoca dominata dall'utilità, dalla velocità e dalla razionalità tecnocratica, la pittura apre una rara finestra su un regno poetico. È proprio questo rifiuto del funzionalismo, questa apertura alla lentezza, all'inutilità e al mistero, che costituisce il fondamento filosofico sia della mostra che dell'opera più ampia dell'artista.

Immagini mistiche e religiose attraversano l'opera, spogliate di ogni dottrina e trasfigurate in un paesaggio simbolico personale. Marebito si discosta dai consueti schemi compositivi dell'artista, che spesso ricordano i primitivi fiamminghi e gli affreschisti italiani. Qui viene messo in primo piano un singolo momento di contatto: il blu dell'alterità sfiora delicatamente il mondo interiore di una figura addormentata o rapita. Potrebbe essere la più pura incarnazione dell'estasi.

Le Due Luci
La contraddizione di due verità simultanee e opposte definisce questa apparizione. Emergendo da un labirinto di tende, un essere monumentale si rivela a due figure indifese, accecate dalla forza di un'improvvisa rivelazione.
Se esiste un filo conduttore in tutte le opere di Sicioldr, è il tema dell'annuncio, un mistero centrale nell'immaginario cristiano. Egli ritiene che ogni opera sia,
in fondo, un'esplorazione dell'incontro tra due mondi. Questo è ciò che Robert Johnson chiamava mandorla.

In senso sacro, la mandorla di Johnson evoca uno spazio in cui gli opposti divini - umano e divino, maschile e femminile, ombra e luce - si riconciliamo. Essa rispecchia l'antica mandorla a forma di mandorla che circonda Cristo nella gloria, significando sia la trascendenza che l'incarnazione. Per Johnson, entrare nella mandorla è un atto sacro di integrazione interiore, in cui l'anima abbraccia la sua piena complessità donata da Dio e si muove verso la completezza spirituale.

That Indestructible Estate
Sicioldr ha preso il titolo da una poesia di Emily Dickinson:

"L'opera offre consolazione: in mezzo alla distruzione e all'
orrore, rimane un punto di stabilità nascosto, quasi invisibile“,

dice Sicioldr, ”Credo che sia indistruttibile.
Forse è una flebile speranza, ma confido che la salvezza risieda in
quella camera segreta finale, intatta, sepolta in profondità
sotto ogni cosa".

La figura con la mano dorata riempie l'intero spazio, sia il soggetto che il paesaggio.

I dipinti di Alessandro Sicioldr nascono proprio da questo spazio di silenzio e discesa. Essi tracciano le fragili fratture tra ragione e inconscio, invitandoci ad addentrarci in quello spazio intermedio. Le sue opere non sono visioni composte di un mondo strutturato. Piuttosto, emergono dall'incontro con forme che si elevano al di là della portata del pensiero cosciente. Sicioldr non cerca di contenere queste immagini all'interno di una narrazione o di un simbolo. Parla del suo lavoro come di una “intimità non interpretativa”, alla ricerca non di un significato, ma di una presenza; non di una risoluzione, ma di una sensazione ancora da arrivare.

 
"L'immagine, nella sua semplicità, non ha bisogno di erudizione.
È proprietà di una coscienza ingenua; nella sua espressione, è un linguaggio giovanile".
— Gaston Bachelard (1884–1962, filosofo francese)

 

Facendo eco a Gaston Bachelard, i dipinti di Sicioldr evocano una sensazione che precede il linguaggio. Attirano gli spettatori in uno stato di pura intuizione, indugiando dolcemente sulla tela come un sogno, dispiegandosi silenziosamente nel ritmo della forma classica.

Un invito al silenzio I dipinti di Sicioldr non richiedono spiegazioni o comprensione. Offrono invece uno spazio di incontro, invitando lo spettatore a entrare nel mondo pittorico e a incontrare il proprio inconscio. Le grotte nei suoi dipinti sono ingressi a mondi interiori; le figure, proiezioni dei sé alternativi dello spettatore. In questo momento di incontro, lo spettatore non è più un osservatore passivo, ma diventa un altro “visitatore” sacro nel paesaggio dell'inconscio.

Sebbene non contengano alcuna voce letterale, i dipinti parlano. Lo fanno attraverso la forma, il gesto e il simbolo. Invitano lo spettatore non a leggere, ma a sentire. Le opere di Sicioldr non sono affermazioni definitive. Sono proposizioni aperte, completate solo attraverso il dialogo interiore dello spettatore.

- Mikyung Rhi
Ricercatrice presso l'Università di Yonsei; storica dell'arte

La Grande Notte presenta una visione quasi apocalittica. In un deserto arido di pietra e polvere, gli esseri viventi si rifugiano in caverne sotterranee, forse sognando montagne lontane.
Come nella Steppa Tartara di Buzzati, guardano in silenzio verso orizzonti irraggiungibili. Poi appare una crepa. Arriva una presenza luminosa, che porta con sé un sole. Enigmatico, forse inutile in termini pratici, ma significativo per coloro che hanno imparato ad aspettare.

La logica compositiva di Sicioldr rivela l'influenza della scuola senese del Medioevo. In particolare, le strutture simmetriche e le disposizioni simboliche presenti nelle opere del pittore quattrocentesco Ambrogio Lorenzetti hanno lasciato un'impronta profonda nella sua progettazione visiva. A ciò, Sicioldr aggiunge la bizzarra immaginazione del pittore fiammingo del XV secolo Hieronymus Bosch e la spazialità metafisica del surrealista del XX secolo Giorgio de Chirico.
Sicioldr cattura anch'egli momenti di tempo sospeso attraverso figure silenziose e una spazialità contenuta. Sebbene Sicioldr prenda in prestito l'architettura classica, i simboli mitici e i corpi idealizzati, questi elementi sono intenzionalmente disposti in modo ultraterreno e disarticolato. Ciò crea una tensione inquietante tra realtà e inconscio. La sua pittura ricerca quindi l'inquietante: una condizione che nasce dalla coesistenza del familiare e dello strano.

L'opera di Sicioldr è spesso descritta come classica: simmetrica nella composizione, sobria nella tavolozza, meticolosa nella pennellata e malinconica nell'atmosfera. La città di Tuscania, dove ha vissuto tutta la vita, era un tempo un'importante città etrusca.

Gli Etruschi, che precedono l'antica Roma, rimangono in gran parte misteriosi a causa della mancanza di documenti scritti. I dipinti di Sicioldr condividono una qualità simile, misteriosa e sfuggente. La struttura cerimoniale, le figure umane ricorrenti e la logica simbolica dei dipinti murali etruschi influenzano chiaramente il suo vocabolario artistico. Per lui, queste immagini antiche sono più che semplici riferimenti stilistici: sono le radici del suo immaginario inconscio.

Le sue figure sembrano umane, ma danno una sensazione di estraneità. Le loro proporzioni distorte, le espressioni prive di emozioni e gli ornamenti simbolici evocano un senso di presenza che sembra allo stesso tempo reale e irreale. Questi esseri sono ciò che l'artista chiama “visitatori”. Non sono tratti dalla vita reale, ma piuttosto dalle tracce della memoria antica o dai sogni.

Tra i pezzi forti della mostra spiccano le opere ad acquerello di Sicioldr, un mezzo in cui la sua maestria nel rendere l'atmosfera e le sottili sfumature tonali risplende davvero. Lungi dall'essere una pratica “secondaria”, i suoi acquerelli rivelano la stessa intensità e forza visionaria dei suoi dipinti a olio di grandi dimensioni, ma distillate in una forma più intima e contemplativa.

Un esempio è “Il Castello” (2024), acquerello su carta, 57 × 77 cm, presentato in un'elegante cornice di legno. In quest'opera, la trasparenza e la fluidità del mezzo esaltano la qualità onirica delle immagini di Sicioldr: il castello emerge come una visione sospesa tra memoria e immaginazione, solida ed evanescente, lontana e familiare.

Qui la luce si dissolve in strati di delicate sfumature, le texture richiamano la raffinatezza rinascimentale pur rimanendo decisamente contemporanee, e ogni dettaglio invita lo spettatore a soffermarsi, un invito alla lentezza in un mondo che spesso corre veloce.

Attraverso opere come Il Castello, Sicioldr dimostra come l'acquerello, con il suo flusso imprevedibile e la sua luminosità, diventi un mezzo perfetto per esplorare il subconscio e dare forma a visioni che esistono tra realtà e sogno.

Queste opere non hanno lo scopo di comunicare un messaggio, ma sono piuttosto tentativi silenziosi e disperati di reincantare il mondo.

La Guarigione riprende un dipinto a olio del 2024. Uno spirito abissale emerge da una grotta per interagire con una figura che tiene in mano una piccola sfinge. Come in molte opere di Sicioldr, la natura del loro rapporto rimane oscura anche per lui.

Attraverso Silenzio. Piccolo Re Sicioldr ritorna a un tema esplorato per la prima volta in un piccolo dipinto a olio.

L'immagine è profondamente ambigua; il suo significato è ancora poco chiaro.

Tuttavia, appartiene a una serie di opere in cui la figura interagisce con una forma scultorea.